Und wo singst Du so?

Wenn man Kinder fragt, wie man eigentlich genau singt, ist meist die erste Antwort: „Mit dem Mund!“ Erwachsene wissen darüber hinaus häufig, dass es sowas wie „Stimmbänder“ im Hals gibt. Manchmal fallen auch die Begriffe „Kopf- und Bruststimme“, manche Menschen möchten gar mit ihrer „Bauchstimme“ singen. Mit dem „Herzen“ möchten wir natürlich auch singen und um die Verwirrung perfekt zu machen, spreche ich persönlich immer wieder vom ganzen Körper als „das Instrument“. Tja, da stellt sich die Frage, welche Ideen korrekt oder zumindest zum Singenlernen hilfreich sind. Ganz behutsam möchte ich versuchen ein wenig Licht ins Dunkel zu bringen und Bilder, Wahrnehmungs- und Arbeitsansätze vor allem für die Arbeit mit Laien vorschlagen.

Stimme passiert im Hals

Legen wir einmal die Hände vorne an den Hals und sprechen ein langgezogenes [mmh], als würde uns etwas besonders gut schmecken. Dann können wir ganz deutlich spüren, wie das Gewebe schwingt. Auch wenn wir ein [a] auf diese Weise ertönen lassen, spüren wir die Vibrationen. Ich schreibe ganz bewusst nicht „singen“, denn es geht nicht um einen Schönklang auf einer festgelegten Tonhöhe, sondern nur um den ganz simplen Vorgang, dass die Stimmbänder – angeschwungen von der Atemluft – anstrengungslos zum Klingen kommen. Wie passiert das genau? Wir können diese kleine Übung mehrfach wiederholen oder z.B. in einem „Atemzug“ erst Luft strömen lassen, dann einen Ton zum Klingen bringen, dann wieder Luft, dann wieder Ton. Was ist der Unterschied? Wie geschieht dieses „Anschwingen“?

Stimmbänder möchten schwingen

Der amerikanische Vocalcoach PER BRISTOW (Sing with freedom) weist bei dieser Übung auf im Grunde nur zwei wesentliche Fehlerquellen hin. Erstens: Der Ton ist zu hauchig, die Stimmbänder schließen also nicht richtig, kommen nicht in Kontakt, der Ton ist nicht klar, zu viel Luft geht verloren. Zweitens: Zu wenig Atem fließt und die Stimmbänder haben in sich eine zu hohe Spannung. Freie Schwingung ist nicht möglich.
Um genau den Mittelweg zu finden und so auf sehr einfache und wirkungsvolle Weise zu erleben, wie leicht singen sein kann, ist es sinnvoll, beide Extreme einmal auszuprobieren. Die meisten Menschen können das sofort nachmachen, wenn man es demonstriert und auch im Chor ist das ein sehr einfaches Mittel um die Sänger für ein zuviel an Spannung oder überlüftete Töne zu sensibilisieren. Unsere Stimmbänder möchten in Kontakt kommen und gemeinsam locker und entspannt schwingen. Im Grunde eine sehr einfache Essenz dessen, wie Stimmgebung funktioniert.

Tonhöhe hat nichts mit Höhe zu tun

Wenn nun die Stimme entspannt auf beliebiger Tonhöhe schwingt, können wir beginnen kreuz und quer durch unseren Stimmambitus zu experimentieren. Schleifen, Loopings, Glissandi und irgendwann kleine Übungsphrasen, Tonleitern usw. Wichtig: Es bleibt beim „Geräusch“. In den allermeisten Fällen geht beim Gefühl von „Singen“ nämlich der gerade eben gefundene, natürlich-entspannte Kontakt zur Stimme verloren und innere Bewertungen (richtig/falsch, zu hoch/zu tief, schön oder schräg) wirken kontraproduktiv. Sehr hilfreich in diesem Zusammenhang ist der Hinweis, dass die Tonhöhe der Stimme überhaupt nichts mit „Höhe“ zu tun hat, sondern, leicht vereinfacht gesagt, mit Länge und Spannung. Wie Gummibänder werden die Stimmbänder in die Länge gezogen und gedehnt. Dadurch ergibt sich eine andere Schwingungsfrequenz und damit eine veränderte Tonhöhe.

Anschauungsmaterial

Eine handvoll Haushaltsgummis – in der Chorprobe an alle verteilt – kann da ziemlich schnell auch für erlebte Klarheit sorgen. (vgl. Spielzeug zum Singen) Erstaunlich, wie anders sich der Körper organisiert, wenn man ein kleines Gummiband in der Hand hält und damit die dehnende Stimmbewegung simultan zum Singen ausführt. Dazu noch ein kurzer Hinweis: Erstaunlich viele Menschen gehen davon aus, dass sich die Stimmbänder hochkant im Hals befinden. Dieses Missverständnis kann schnell ausgeräumt werden, wenn die Gummibänder parallel zum Fußboden gehalten und gespannt werden. Ganze Stücke oder auch einzelne schwierige Stellen können so geübt und viele unnötige Hilfsspannungen (z.B. Hochrutschen des Kehlkopfs) auf diese Weise vermieden werden.

Es gibt nur eine Stimme

Abgesehen davon, dass man dem sicher einen ganzen eigenen Artikel widmen könnte, möchte ich an dieser Stelle ganz kurz meine persönliche Einschätzung zum Phänomen „Bruststimme – Kopfstimme“ geben. Zuallererst: Es gibt keine zwei Stimmen! Und schon gar nicht an zwei unterschiedlichen Orten!

Ja, es gibt unzählige Möglichkeiten des Schwingens der Stimmlippen und komplexe Muskelaktivitäten, die letztendlich am Klang der Stimme beteiligt sind. Für die meisten Menschen ist es in der Lernphase aber eher hinderlich für die Entdeckung der in allen Lagen frei schwingenden Stimme, sich an den Begriffen Brust- und Kopfstimme zu orientieren. Dass es da mehr Missverständnisse und offene Fragen (Um was geht es eigentlich? Resonanz oder Stimmerzeugung? Muskelaktivität? Atemfluss oder Atembremse? usw.) als Klarheit gibt, ist häufig genug in der Literatur gesagt worden und auch ich habe schon darüber geschrieben. (vgl. Wie sag ich’s meinem Schüler?)

Meine Überzeugung ist: Wenn eine Stimme gelernt hat frei zu schwingen, kann sie sich in ihrer Textur dem emotionalen bzw. musikalischen Kontext anpassen und die perfekte „Mischung“ entsteht quasi von selbst. (vgl. Singen ist Singen)

Stimme und Artikulation passieren an unterschiedlichen Orten

Wie oben beschrieben, entsteht die für den Klang nötige Schwingung der Stimmbänder im Hals. Die passende Artikulation dazu findet eine Ebene höher statt, nämlich im Mundraum. Zunge, Lippen, Zähne und Mundinnenraumform sorgen für die Verständlichkeit der Sprache. Es passiert häufig, dass sich die Artikulationsorgane in die Stimmgebung einmischen und das führt in der Regel – weil mit zu viel Hilfsspannung verbunden – zu Problemen. Für einen freien Stimmklang ist eine bestimmte Einstellung im Mundraum meiner Meinung nach nicht nötig. Wenn beides gut voneinander differenziert ist, kann der Mundraum natürlich als Resonanzraum dienen und unterschiedliche Lippen-, Zungen- und Kieferstellungen können auf den Klang einwirken, aber das ist für mich erst der zweite Schritt.

Resonanz im Kopf

Kann die Stimme im Hals störungsfrei schwingen, braucht es einen Resonanzkörper um den Klang voll, tragfähig und für jeden Menschen einzigartig zu machen. Zunächst einmal dient der Schädel mit seiner holzkugelähnlichen Bauweise der Klangverstärkung. Ob der Klang nun „vorne oder hinten“ schwingen soll, darüber streiten sich die Gesangspädagogen leidenschaftlich. Ich empfehle vor allem, die vielgestaltigen Resonanzräume im Schädel durch das Singen mit verschlossenen Ohren zu erkunden. (vgl. Ohren auf!) Auf den Vokalen [u] und [i] geht das besonders gut und selbst jeder Anfänger merkt, wie intensiv einzelne Töne im Schädel resonieren. Ich fordere die Schüler oder Chorsänger meist auf, innerlich nach den Tönen auf die Suche zu gehen, die es im Kopf „so richtig scheppern lassen“ und von da aus nach und nach andere Tonhöhen und Vokale zu erkunden. Auch auf verschiedene Klinger [ng], [m],[n] usw. lassen sich mit verschlossenen Ohren unterschiedliche Resonanzräume im Schädel ausloten.

Resonanz – Körper

Aber nicht nur der Schädel dient der Resonanz, sondern der ganze Körper. Dabei spielt vor allem der Eutonus, die gute Spannung, eine Rolle. Wir möchten von Kopf bis Fuß schwingungsfähig sein, damit unser ganz eigener Klang – nämlich der individuelle Klangabdruck unseres gesamten Körpers mit all seinen Knochen, Muskeln, Spannungen und Beschaffenheiten – hörbar wird. Die feinen Vibrationen der Stimme lassen sich überall ertasten. Je näher am Hals, desto leichter, aber ich habe es auch schon erlebt, dass mein Körper beim Singen bestimmter Töne bis in die Fingerspitzen vibriert hat.

Und selbst wenn der Körper nicht fühlbar bis in jede Zelle schwingt, so hat er beim Singen doch eine ganz wichtige weitere Aufgabe.

Stabilität und Flexibilität

Alles im Körper hängt mit allem zusammen. Das wissen wir seit dem Beginn der Faszienforschung endlich nicht nur intuitiv, sondern meßbar und nachprüfbar. Die feine Struktur der Faszien sorgt dafür, dass unser Körper elastisch ist und auch wenn er in heftige Schwingungen kommt – wie z.B. beim Singen kräftiger hoher Töne – noch stabil bleibt. Der Körper mit seinen Muskeln und dem Bindegewebe bietet beim Singen Ausgleichsaktivitäten an, die den Klang, den Atem und unsere Haltung in Balance halten. Zug- und Druckphänomene werden im Idealfall genau aufeinander abgestimmt und stimmliche Stabilität und Kraft bei gleichzeitiger Flexibilität sind die Folge. Das ist das, was ich als Stütze bezeichnen würde. Das sensible und gut koordinierte Zusammenspiel der Diaphragmen (Zwerchfell, Beckenboden, Stimmlippen, Gaumensegel u.a.) ist ein Aspekt dieser Balance. Das „Andocken“ des Klangs an die Schwerkraft kann eine Möglichkeit sein diese zu finden (vgl. Singen im freien Fall und Lebendig sein heißt instabil sein). Manchmal kann es auch sinnvoll sein, sich vorzustellen, der Ton beginne in einem bestimmten Körperteil, z.B. im Becken, am Brustbein oder den Flanken (vgl. Bewegung als Schalter). Der Stimmklang wird dann räumlicher und vielschichtiger und der Ton erhält neue Möglichkeiten der inneren Anlehnung. (vgl. Anlehnen an den Atem)

Aufmerksamkeitsort

Insgesamt lässt sich sagen, dass es vor allem ein Frage der Aufmerksamkeit ist, wo und wie ein gesungener Ton sich manifestiert. Allein durch den Punkt unserer Konzentration können wir alles verändern. Singe ich z.B. eine Weile mit geschlossenen Ohren, wird meine Aufmerksamkeit danach immer noch beim „inneren Hören“ bleiben. Konzentriere ich mich auf die Vibrationen in meinem Hals, so werden sich diese immer weiter verstärken. Die Aufmerksamkeit dient quasi als Katalysator für unsere Erfahrung beim Singen und wir sollten sie keineswegs unterschätzen. Da jeder Sänger und jeder Körper anders ist und ein anderes inneres Bild von sich selbst hat, ist die Steuerung der Aufmerksamkeit ein wichtiges Mittel des Lernens. Ich als Gesangspädagoge kann durch die Wahl meiner Sprache, meiner Bilder oder das bewusste Lenken der Schülerwahrnehmung Dinge ins Bewusstsein bringen, die helfen, das eigene Instrument Stimme mit allen Aspekten immer besser zu verstehen. (vgl. Wie sag ich’s meinem Schüler?)

Herz auf und los!

Insbesondere darf bei all den unterschiedlichen „Singorten“ natürlich nicht vergessen werden, dass es mindestens zwei weitere, weniger greifbare, Aufmerksamkeitsorte gibt, von denen aus es sich herrlich singen lässt. Unser Herz, unsere Emotionen, unsere Leidenschaft für das was gesagt und gesungen werden muss, ist ein – vielleicht der – wichtigste Motor für das Singen. (vgl. Nackt) Die Begeisterung für eine bestimmte Musikgattung, Klangwelt oder einen Groove ist mindestens ebenso wichtig, wie die oben genannten, eher technischen oder körperlichen Anteile des Singens. Und auch der der spirituelle Zugang zur Musik soll erwähnt werden. Je nach persönlicher Überzeugung kann man durchaus aus dem Glauben, einer „göttlichen Inspiration“ oder dem großen „Meer der Möglichkeiten“.

Alle Aspekte von Stimme sind miteinander verwoben und beeinflussen sich wechselseitig. Es singt und klingt der ganze Mensch. Um Verwirrungen zu vermeiden kann es aber sinnvoll sein, bestimmte Aspekte herauszugreifen, die konkreten Vorgänge zu beleuchten und klar zu stellen, auf welcher Ebene gerade geübt werden soll. Das ist insbesondere wichtig, wenn Schüler und Lehrer sich noch nicht gut kennen oder in großen Gruppen z.B. im Chor gearbeitet wird.

Lustvolles Wandeln durch verschiedene Aufmerksamkeits- und Singorte wünscht,

Anna Stijohann

Es könnte so einfach sein

Man stelle sich vor, Singen wäre einfach. Kinderleicht, ein Spaziergang. Kein Druck, keine komplizierte Technik, die es in vielen Stunden zu erlernen gilt, keine stimmliche Ermüdung, der pure Genuss. Die Töne purzeln gut geölt und wie von selbst aus der Kehle und je mehr und je länger ich singe, desto mehr Freude macht es und desto leichter geht es. Meine Stimme verbindet sich leicht und wohlklingend mit anderen Stimmen und ich kann mich ganz einfach am Miteinander erfreuen. Klingt gut, oder?

Eine andere Sichtweise

Ich bin davon überzeugt, dass das möglich ist. Und ich sehe es als unsere wichtigste Aufgabe als Gesangspädagogen, Menschen zu helfen, diese Leichtigkeit zu finden. Warum das nicht alle Menschen und Sänger so sehen, weiß ich nicht. Möglicherweise liegt es daran, dass sie es einfach nicht gewohnt sind und das wirklich mühelose Singen bisher nur selten oder gar nicht erlebt haben. Und in diese Einschätzung schließe ich sowohl Profis als auch Hobbysänger mit ein. Für viele Menschen scheint es ganz normal zu sein, dass nach der Chorprobe der Hals kratzt oder nach einem Liederabend oder einer Opernaufführung stimmliche Ermüdung eintritt. Für viele Sänger ist das Singen mit „harter Arbeit“ verbunden. Sowohl körperlich, als auch direkt stimmlich. Die richtige Klangeinstellung zu finden ist immer wieder Thema und die Frage „Wie Singen denn nun richtig geht“ stets präsent. Der Eine sagt dieses, der Andere sagt jenes. Der Eine sagt, Du musst dies tun, der Andere sagt „um Gottes Willen, das ist Gift für die Stimme“. Orientierungslosigkeit und ein hoher innerer Druck verbunden mit der Idee, nicht (gut) genug zu sein sind der Preis. Was auf der Strecke bleibt, ist der Genuss.

Ist Singen Arbeit?

In der Kolumne einer namhaften Kollegin, die sich vor allem an Laiensänger im Chor wandte, stand vor einiger Zeit, dass das Erlernen der „korrekten Stütze eine sehr schwierige Angelegenheit sei und nur sehr fleißiges, jahrelanges Üben schließlich zum Erfolg führe“. Da fehlten mir glatt die Worte. Das verdirbt doch jedem ganz normalen Chorsänger – und nicht nur dem – die Lust aufs Singen und die Neugier, sich stimmlich weiterzuentwickeln.

Und es widerspricht ganz klar dem, was ich in meiner Arbeit erlebe. Natürlich gibt es keine Patentrezepte und natürlich hat die eine Stimme es schwerer zu ihrem vollen Potential zu finden und die andere leichter. Nichtsdestotrotz gibt es vielerlei Möglichkeiten, diesen Prozess zu unterstützen, in denen weder Druck (innerlich, äußerlich, stimmlich-muskulär) noch das „Ausmerzen von Fehlern“ eine Rolle spielt. (vgl. Das magische Knistern, Spielzeug zum Singen, Singen und Saugen, Anlehnen an den Atem, Singen im freien Fall, Improvisation)

Es kann auch einfach sein

Jeder Mensch kann singen. Jede Stimme bringt ihr ganz eigenes Potential mit und jeder Sänger hat das Recht sich beim Singen wohl zu fühlen. (vgl. Sehnsucht nach der sängerischen Freiheit, Was ist eine schöne Stimme?)

Wie schrieb mir neulich eine Workshopteilnehmerin: „(…) ich muss zugeben, dass sich meine Stimme mit dieser Art zu Singen sauwohl gefühlt hat.“

Verrückt, dass wir fast das Gefühl haben, uns dafür entschuldigen zu müssen, wenn es beim Singen mal richtig gut läuft. Gesellschaftlich tief verankert ist das Gefühl in uns, dass nur das von Wert ist, was hart erarbeitet ist. Wir sind es nicht mehr gewohnt Geschenke anzunehmen. Lieber ackern wir uns ab und verheddern uns in Details, die alles nur komplizierter machen.

Warum eigentlich? Warum müssen wir, wenn beim Singen alles wie geschmiert läuft, hinterfragen, ob das wirklich so sein kann / darf. Ob denn nun auch der Ton alle Kriterien erfüllt um ein guter Ton zu sein. Ob der Klang auch voll und rund genug ist, die Höhe strahlend genug ist und der Ton gut sitzt.

Wir könnten uns auch einfach mal auf unser Gefühl verlassen. Denn wenn wir ganz ehrlich sind, wissen wir in dem Moment, wo alles wirklich zusammenpasst, eigentlich genau: Es ist ganz einfach.

Nie wieder Üben?

Natürlich heißt das nicht, dass wir uns einfach auf die faule Haut legen können. Das Sprichwort „Ohne Fleiß keinen Preis“ bleibt aktuell, aber die Art und Weise, wie wir üben und wohin wir unsere Aufmerksamkeit lenken, ist eine ganz andere. Der Schlüssel zum mühelosen Singen und leichten Lernen ist unsere Wahrnehmung. Nicht mehr und nicht weniger. Wahrnehmung, die keine Bewertung mit einschließt, sondern erlebt. (vgl. Wie viel muss ich üben? oder Bewusstsein als Tür)

Und auch Wahrnehmung gilt es zu lernen und zu üben. Denn wir sind, gerade was unseren Körper angeht, kaum mehr gewohnt, neutral zu spüren, ohne daraus direkt eine Konsequenz zu ziehen was wir als nächstes tun sollten. Wir möchten aktiv tun und manipulieren, weil wir denken, dass sonst nichts oder nicht genug passiert. Aber damit kommen wir beim Singen in Teufels Küche. Oder zumindest nicht zu einer echten Leichtigkeit.

Der Stimme Raum zum Entfalten geben

Die Stimme organisiert sich ganz wunderbar selbst (vgl. Stimmliche Selbstorganisation, Singen ist nicht kompliziert!) und alles was wir dazu brauchen ist innere Wachheit. Alles ist schon da und will nur ans Licht gebracht werden. Eine Schülerin berichtete mir nach meiner viermonatigen Mamapause von einer tollen Entdeckung. Sie ist eine erfahrene Chor- und Ensemblesängerin und war selbst total überrascht.

„Ich saß da so vor dem Computer und habe mir ein Übungsfile für das neue Chorstück angehört. Ich saß ein bisschen vornübergelehnt und habe einfach so vor mich hingesungen. Und auf einmal ging es ganz leicht. Irgendwie hab ich gemerkt, dass ich in der Mitte meines Körpers etwas loslassen kann und dann ist der Ton voll und ganz leicht. Ich dachte immer, ich muss hier oder dort irgendwas tun oder anspannen, aber es war genau das Gegenteil der Fall. Verrückt!“

In einem Moment, in dem es überhaupt nicht darum ging, etwas richtig zu machen, hat sie plötzlich etwas ganz Wichtiges verstanden. Und ich als Lehrerin hab mich natürlich gefreut „wie Bolle“ 🙂

Warum dann noch Gesangsunterricht?

Gesangsunterrichtwird damit keineswegs überflüssig. Gerade wenn es darum geht, sich aus der eigenen Komfortzone heraus aufs Glatteis zu begeben (vgl. Kontrollverlust -Ja bitte!) ist eine kundige Begleitung wichtig. Außerdem weiß mein/e LehrerIn im Idealfall, wie sie/er mich in einen Zustand bringt, in dem Selbstorganisation möglich ist und hat in vielen Situationen einfach mehr Erfahrung, ein gutes Ohr und kann gut zureden, wenn das Zutrauen ins eigene Gefühl nicht ausreichend geübt ist. Von uns Lehrern erfordert das eine ganz andere Art des Unterrichtens. Es ist nicht unsere Aufgabe, auf Fehler hinzuweisen, sondern Erlebnisräume zu schaffen. Denn die entscheidende Arbeit findet im Schüler statt. Nur dort, wohin er seine Aufmerksamkeit lenkt, kann Entwicklung stattfinden. Lenkt er sie auf die Probleme, die Enge, die Brüche und sonstige Unzulänglichkeiten, wird er genau davon mehr bekommen. Lenkt er seine Aufmerksamkeit auf das, was – im Rahmen seiner Möglichkeiten – leicht geht und das, was ihn neugierig macht, werden sich immer mehr Räume der Leichtigkeit auftun.

Man lernt nie aus

Ich selbst hatte vor einiger Zeit ein Erlebnis dieser Art, das mir gezeigt hat, dass der Leichtigkeit des Singens keine Grenzen gesetzt sind. Im Rahmen einer kleinen kollegialen Fortbildung arbeitete eine Kollegin nur etwa zehn Minuten mit mir. Nichts wildes. Aufmerksamkeitsübungen für die kleinste überflüssige Zungenspannung, ein bisschen [ng], ein bisschen [a] mit der Intention, keinen „schönen, gesanglichen“ Klang machen zu wollen, sondern ganz dem fließenden, wohligen Gefühl zu trauen und einfach ein „Geräusch“ zu machen.

Und ich muss sagen, ich war platt. Eigentlich dachte ich, mein Singen sei schon sehr spannungsfrei und mühelos, aber das war nochmal ein andere Liga. Tagelang habe ich danach diesem Gefühl einfach nur nachgespürt und mein Klang hat sich seitdem nachhaltig verändert. Alles, was es brauchte, war meine Aufmerksamkeit. Natürlich kamen auch in mir die üblichen Fragen auf. Klingt das wirklich gut? Taugt der Klang für alle Genres? Wie verbinden sich eigentlich Mühelosigkeit und Kraft? Hab ich noch genug Power, wenn es so leicht geht?

Mühelosigkeit und Kraft

Doch die Leichtigkeit des Klangs und vor allem der pure Genuss beim Singen, haben die Fragen nach einigen Tagen verblassen lassen. Sie wurden einfach weniger wichtig. Und „Ja!“ ich hab genug Power. Denn ich habe durch diesen kleinen Ausflug die inneren Zusammenhänge von Kraftaufwand und Kraft im Klang noch einmal besser verstanden. Oft denken wir, wir haben Kraft, sind aber eigentlich nur damit beschäftigt, kräftig gegen unsere eigenen Widerstände (innerlich, äußerlich, muskulär) anzusingen. Ähnlich, wie wenn wir versuchen eine Tür aufzudrücken, die von der anderen Seite zugehalten wird. Wir fühlen uns möglicherweise sehr stark dabei, aber wir kommen doch nicht vom Fleck. Der Zuhörer hört nicht Kraft, sondern Mühe. Das ist ein großer Unterschied. Wenn wir frei und anstrengungslos singen, kann unsere Kraft, unser volles Potential dagegen wirklich nach außen hörbar werden. Wir treten durch die Tür hinaus und zeigen uns in voller Größe. Das erfordert Mut, ist aber ungleich lustvoller. (vgl. Nackt)

Feinmotorik

Singen ohne Mühe ist ein Balanceakt. Das organische Singen lebt – wie z.B. das Tanzen oder Wellenreiten – von der filigranen Koordination, den ganz feinen Unterschieden und der Tatsache, dass es nicht darum geht „etwas zu tun“. Viel mehr geht es darum, einen Schwung zu nutzen, mit der Welle zu schwimmen. Dann ergibt sich eins aus dem anderen. Wichtig ist ein sensibler innerer Kontakt von Stimme und Körper, der uns aber meistens schon nach kurzem Üben vertraut ist. Das Wahrnehmen der Schwerkraft oder ein spürender Kontakt mit den Händen oder das obertönige Hören und Lauschen helfen der Stimme ihren Raum und ihre Fokussierung fein auszubalancieren. Ein beweglicher Klang mit vielen Facetten ist das Ergebnis des inneren Zusammenspiels. An dieser Stelle möchte ich eine – sonst mit sich selbst eher kritische – Schülerin zitieren: „Ich bin ganz verblüfft, wie schön das klingt, wenn die Anstrengung weg ist.“

Und zum Schluss soll noch mein ehemaliger Posaunenprofessor zu Wort kommen:

„Wenn’s einfach wär, würd’s jeder machen.“ – Na, das wär doch mal was! 🙂

Unbeschwerte Singlust und sommerleichten Klanggenuss wünscht

Anna Stijohann

Nackt

Es ist soweit. Der Karneval ist da. Wer an Weiberfastnacht in Köln auf die Straße geht, kann sich dem kaum entziehen. Sich zu verkleiden, jemand ganz anderer zu sein und den Mitmenschen von einem ganz anderen Standpunkt zu begegnen als sonst, kann sehr wohltuend sein. Wir sind wie wir sind, denken wir, doch durch das karnevalistische Rollenspiel können wir die Grenzen dessen, was wir sind und was andere von uns glauben das wir sind, ausdehnen.
Und genau deswegen möchte ich den karnevalistischen Gedanken heute vom Standpunkt Stimme her untersuchen.

Was wir sein möchten

Wenn wir Singen, zeigen wir uns. Keine Frage. Ob und wie wir uns zeigen, hängt an uns selbst. Es ist eine Mischung aus unseren Fähigkeiten und angelernter ästhetischer „Stimm-Kostümierung“. Genau wie bei unserm äußeren Auftreten gibt es große Unterschiede darin, wie wir uns präsentieren. Der Eine geht nie ungeschminkt aus dem Haus, der Andere am liebsten in Jogginghose. Dem einen ist die 50er Jahre Tolle mittlerweile zum Markenzeichen geworden, der andere liebt es öko mit Wollpullover. Aufs Singen übertragen könnte das folgendes heißen: Mancher versteckt sich hinter gängigen Klang- und Phrasierungsklischees. Pop- oder Klassikattitüde? Jeder wählt das, was ihm nahliegt. Jazzgesäusel oder penetrantes Musical“gebelte“ um jeden Preis? All das kann Markenzeichen und gleichzeitig Maskierung der eigenen Person und damit des eigenen Klangs sein. Wir zeigen uns nach außen so, wie wir möchten, dass unser Umfeld uns sieht.

Es kommt auf den Kontext an

Nicht, dass mich jemand falsch versteht. Ich habe nichts gegen Klischees und genre- und kontextangemessenen Klang. Aber genauso wenig, wie ich in Jeans in die Oper oder im kleinen Schwarzen zu einem Rockkonzert oder zur Arbeit gehen würde, hat jedes Stimm“outfit“ seinen Platz und seine Berechtigung. Das Outfit sollte im Idealfall gut passen und die Persönlichkeit des Trägers unterstreichen und nicht wie eine Verkleidung wirken. Wer seine „Popschlenker“ auch nicht bei einem schlichten Volkslied ablegen kann, wird kaum ein stimmiges Gesamtbild abgeben. Die niedlich-harmlose Kuschelstimme bei einer dramatischen Opernarie ist genauso fehl am Platz, wie schallerndes Vibrato in einem kleinen Raum bis die Wände wackeln. Um jedoch zu einem stimmigen und persönlichen Klang zu kommen und sich egal in welchem musikalischen Kontext angemessen ausdrücken zu können (vgl. Singen ist Singen), braucht es einiges an Erfahrung und Reife.

Ganz werden

Genau wie eine menschliche Persönlichkeit sich im Laufe des Lebens im Idealfall immer weiter vervollständigt und unabhängig vom Außen immer mehr so sein kann, wie sie wirklich ist, wird auch die Stimme einen solchen Prozess durchlaufen. Der Psychoforscher C.G. Jung vertritt die Auffassung, dass wir alle Anteile unseres Selbst integrieren müssen um „Ganz“ zu werden. Je mehr – vor allem verborgene oder ungeliebte Persönlichkeitsanteile – wir kennenlernen und akzeptieren können, desto reicher und vielschichtiger wird unser Charakter sich zeigen. Für die Stimme gilt das Gleiche. (vgl. Was ist eine schöne Stimme?) Stimmfarben, unterschiedliche Stilistiken, archetypische Klänge, Höhe und Tiefe, Register, die uns bisher fremd sind. All diese Stimmanteile gilt es zu erforschen um zum „ganzen Klang“ zu kommen – der wie auch im Persönlichkeitsmodell von Jung, jedoch immer ein unerreichbares Ideal bleiben wird.

Karneval der Stimmen

Das Schlüpfen in andere Rollen kann – ähnlich wie im Karneval – sehr viel Spaß machen und sehr befreiend sein. Jenseits des gängigen Schönheitsideals kann ich alles ausprobieren. Kann der sein, der ich sonst vermeintlich nicht bin. Kann mich im Schutze der Maskerade mehr trauen oder mich innerlich entspannen und zu größerer Ruhe finden. Ich kann anders mit anderen Stimmen in Kontakt treten. Anders als ich das von mir selbst kenne und vielleicht auch anders, als die Anderen es von mir erwarten. Ich darf Mann oder Frau sein, edel oder roh, elegant oder derb. Ich darf sexy sein oder reserviert, darf die große Diva spielen, von der ich mir vielleicht heimlich wünsche, ich wäre sie.

Natürlich darf ich das alles auch im richtigen Leben. Im Grunde schreibt mir ja niemand vor, wie ich zu sein und mich (stimmlich) zu geben habe. Dennoch fällt es schwer, sich in ernstem Rahmen – oder was wir als solchen empfinden – zu trauen etwas Neues zu wagen (vgl. Seufzen auf Krankenschein). Im Schutze des „Stimm-Karnevals“ fällt es möglicherweise leichter.

Wer bin ich und wie klinge ich?

Und möglicherweise bin ich am Ende des „Karnevals“ meiner eigenen Person ein wenig mehr auf die Schliche gekommen. Stimmlich kann ich vielleicht Ängste ablegen und meine angelernten ästhetischen Konventionen hinterfragen. Ist das wirklich meins? Verstecke ich mich hinter dem, was ich denke, dass es so sein müsste? Oder schaffe ich es, meiner Persönlichkeit und meiner ganz eigenen Stimme wirklich Ausdruck zu verleihen? Wo bediene ich notwendigerweise eine bestimmte Kunstform und wie schaffe ich es, trotzdem mein eigenes Timbre und meinen Charakter hindurchscheinen zu lassen? Wo kann ich den musikalischen Kontext vielleicht sogar benutzen um meinen sonst eher verborgenen Stimm- und Persönlichkeitsanteilen Raum zu geben?

Und wenn ich mir selbst ein Stückchen näher gerückt bin, habe ich auch die Chance, dem Publikum anders zu begegnen. Ich zeige mich und lade das Publikum ein, mit mir wirklich in Kontakt zu gehen. Es entsteht das Band der Intimät zwischen Sänger und Zuhörer, das Gänsehaut auslöst, Tränen der Berührung kullern oder das Publikum aus tiefstem Bedürfnis her mitgrooven lässt.

Nackt

Wie nah ich jemanden oder ein Publikum an mich heranlasse, liegt ganz bei mir. Und es ist völlig legitim, sich nicht immer und überall ganz und gar zeigen zu wollen. Gutes Handwerk und situationsangemessenes Verhalten ist nicht zu unterschätzen. Ich werfe auch nicht meinem Bankberater mein ganzes Sein vor die Füße. Dennnoch ist Kontakt ein menschliches und im speziellen sängerisches Grundbedürfnis. Die Sehnsucht nach direkter Begegnung ohne Maske ist einer der wichtigsten Gründe zu Singen. (vgl. Sehnsucht nach der sängerischen Freiheit) Man kann es niemandem verübeln, wenn er niemals unfrisiert vor die Türe geht oder sich beim Singen hinter Popfloskeln versteckt. Derjenige sollte sich bloß darüber im klaren darüber sein, was der Preis der Maskerade ist. Denn die intensivsten und intimsten Momente erleben wir meist nicht kostümiert sondern – seelisch oder körperlich – nackt.

Intimität

Intimität ist etwas sehr kostbares und zerbrechliches. Das gilt natürlich auch für stimmliche und musikalische Intimität. Natürlich kann ich mir mit einem Schwung die (Stimm-)Kleider vom Leib reißen. Das wirkt jedoch sicher nicht bei jedem stimmig und einladend. Wahre Intimität braucht Raum und Zeit zur Begegnung, auch im Konzert oder im Theater. Es ist ein Vortasten und Suchen nach dem Gegenüber. Ein Sich-Vertraut-Machen mit dem Auftrittsort, mit dem Klang im Raum, mit den Mitmusikern, mit den Zuhörern. In meinem ersten Semester an der Musikhochschule kam eine bekannte Jazzsängerin für einen Meisterkurs zu uns in die Gesangsklasse. Ihren Namen weiß ich nicht mehr, aber einen ganz wichtigen Satz werde ich wohl niemals vergessen: „Totally unzip yourself!“. Ungeschminkte, unmaskierte Stimmen, Musik, die direkt unter die Haut geht. Das ist das, wonach sich Zuhörer und Sänger gleichermaßen sehnen. (vgl. Was ist eine schöne Stimme?)

Nackt vor dem Spiegel

Damit ich mich trauen kann, mich so zu zeigen, wie ich bin, muss ich mich vor allem selbst akzeptieren, wie ich bin. Das klingt leichter als es ist und erfordert vom Sänger großen Fleiß und einen starken Willen, nicht immer den einfachsten Weg zu gehen.  Je öfter ich mich selbst „nackt im Spiegel“ betrachtet habe, desto vertrauter bin ich mir selbst. Je besser ich mich selbst kenne, desto eher kann ich mich ungefiltert ausdrücken. (vgl. Was ist Präsenz?) Je öfter es mir gelungen ist, mich „stimmlich nackig zu machen“, desto leichter wird es mir fallen und desto mehr Authentizität gewinnt mein Vortrag. Und trotzdem bleibt das Singen vor Publikum – wenn ich den Mut und den Willen habe das Risiko der Begegnung einzugehen – ein Wagnis (vgl. Kontrollverlust – Ja Bitte!)

Junge Stimmen

Neulich war ich seit langer Zeit mal wieder als Zuhörer bei einem Konzert. Ein junger motivierter Chor mit vielseitigem Programm. Mit dabei auch drei Solisten. Studenten, die bereits Auftrittserfahrung hatten, aber denen man trotzdem die Aufregung anmerkte. Nach den ersten paar wunderbaren Tönen – alle drei SängerInnen wirklich hörenswert und teilweise sogar mit eigenen Songs – bekam ich eine Gänsehaut. Was für mutige junge Menschen, dachte ich! Sich hier vor einem Publikum so zu zeigen. Sich mit allen Unsicherheiten pur und ohne Sicherheitsnetz zu präsentieren.

Menschen wie ich, die viel Singen und viel mit singenden Menschen zu tun haben, vergessen manchmal, welche Überwindung es kostet und wie gefährlich das Auftreten vor Publikum ist. Gerade den jungen Stimmen gilt deswegen mein größter Respekt.

Nackt heißt nicht unbedingt „perfekt“

Gleichzeitig musste ich schmunzelnd an meine ersten Auftritte in der Musikhochschule denken. Damals war ich mir des Risikos nicht bewusst und hatte auch keinerlei besondere Ansprüche an mich. Ich wollte einfach singen, weil es mir Freude machte. Wenn ich mir die Aufnahmen von damals anhöre, kann ich mich selbst als Studentin durch die Töne hindurchschimmern hören. Die Angst, die Sehnsucht, die Freude und die jugendliche Unbekümmertheit. Alles da. Und das freut mich ungemein. Denn im Rahmen meiner damaligen Möglichkeiten habe ich mich vor dem Publikum wirklich gezeigt, wie ich zu dem Zeitpunkt meines Lebens und meiner sängerischen Ausbildung war. Der Mut, sich stimmlich „nackig zu machen“ hat meiner Einschätzung nach, dabei kaum mit den sängerischen oder musikalischen Fähigkeiten an sich zu tun. Ein unausgebildeter Laie kann, vielleicht gerade wegen seiner Unsicherheit und Unvollkommenheit, mit seinem Gesang unglaublich berührend sein. Manchmal sogar so direkt berühren, dass wir seine Scham und alle Zweifel am eigenen Leib mitspüren. Manch ausgebildeter Sänger weiß sich klug hinter Technik und Manierismen zu verstecken und gibt allenfalls eine „beeindruckende“ Performance ab. Je größer meine Verkleidungskiste, desto dicker kann die Schutzmaskerade ausfallen. Aber jeder Kostümfilm bleibt eine Materialschlacht, wenn er nicht berührt.

In diesem Sinne- Stimmen Alaaf! (okay und Helau ;-))

Anna Stijohann

Singen und Saugen

Sänger sind Säugetiere. Ein seltsamer Gedanke? Vielleicht. Aber meine Erfahrung zeigt, dass es sich lohnt, sich mit diesem Gedanken und den praktischen Auswirkungen auf das Singen genauer zu beschäftigen. Seit gut fünf Wochen ist ein neuer kleiner Sänger Teil meiner Familie und er saugt kräftig und gibt beherzt, lautstark, mühelos und äußerst tragfähige Töne von sich. Somit hat das Leben mal wieder entschieden, über welches Thema ich heute schreiben werde.

Säugling in the house

Wenn Babys saugen, tun sie das aus verschiedenen Gründen. Natürlich steht die Nahrungsaufnahme an erster Stelle, aber nicht nur. Egal ob an der Brust, an einer Milchflasche, an einem Schnuller oder an den eigenen Fingern, Saugen beruhigt. Saugen lässt das Nervensystem entspannen und sortiert den Atem. Je kleiner der Säugling, desto direkter ist der Zusammenhang zwischen An- bzw. Entspannung und Atemrhythmus zu erleben. Ist ein Kind entspannt, atmet es ruhig. Wird es müde oder hat sonst irgendein Bedürfnis, kann man schon an seinem Atem hören, ob es gleich zu quengeln beginnt.

An der Brust allerdings beginnt das gerade noch so aufgeregte Baby schon nach einer kurzen Weile tief und genussvoll zu schnaufen. Der Atem wird ruhig , gleichmäßig und rhythmisch. Der ganze Körper des Kindes ist involviert. Es findet übers Saugen hin zu seinem ganz individuellen Atemrhythmus. Diese Regulierung des Atems geschieht auch beim Schnullern. Wie man sich denken kann, bin ich aus diesem Grund eine große Schnullerbefürworterin ;-).

Saugen ist für das Kind lebensnotwendig in vielerlei Hinsicht.

Saugen für Erwachsene

Was aber hat das nun mit uns Erwachsenen und vor allem mit dem Singen zu tun? Wir können ein kleines Experiment machen. Wir nehmen unsern eigenen (sauberen) Zeigefinger – leider gibt es Schnuller in dieser Größe nicht – und saugen daran. Die Zunge legt sich weich um den Finger, die Lippen stülpen sich nach vorne und wir beginnen genüsslich ein bisschen zu saugen. Wie fühlt sich das an? Was geschieht mit dem Atem? Wie verändert sich mein Kontakt mit mir selbst? Wohin geht die Aufmerksamkeit? Wie fühlt sich mein Hals an? Wo spüre ich Entspannung, wo Kraft oder Anspannung? Kann ich beim Saugen ein- und ausatmen oder nur eins von beidem?

Dieses Experiment habe ich dem Buch „Die eigene Stimme finden – Stimmbildung durch organisches Lernen“ von PETER JACOBY entnommen. Er beschreibt seine Erfahrungen und weist klug darauf hin: „[dass] (…) es manche Menschen [gibt], die ihr Aha-Erlebnis bei der Frage haben, ob man gleichzeitig saugen und ausatmen kann, oder ob Saugen nur beim Einatmen möglich ist.“ (S. 135)

Saugen gleich Einatmen?

Diese Frage hatte ich mir ehrlich gesagt noch nie gestellt und so war der Augenblick, als mir klar wurde, dass man sowohl einatmend als auch ausatmend saugen kann, sehr erhellend. Der Begriff „Inhalare la voce“ wurde für mich endlich begreifbar. Die Vorstellung beim Singen weiter mit der Muskulatur in Einatmentendenz zu bleiben war und ist mir keine Hilfe, sondern hindert mich am freien und ganzkörperlichen Singen. Wie ich schon in meinem Artikel Anlehnen an den Atem geschrieben habe, ist die eine oder andere Atemunterstützung nicht für jeden hilfreich. Ich ersetze nun innerlich die „Einatemtendenz“ durch „Saugtendenz“ und kann enorm profitieren.

Brustkorbaktivität

Nach diesen Zwischenüberlegungen können wir nun mit unserm Saugexperiment fortfahren und beobachten, wie sich der Brustkorb beim Saugen am Finger beim Ein- bzw. Ausatmen verhält.

Welche Richtung ist mir angenehm? Wo fällt mir die Koordination schwer, wo fühle ich, dass meine Kraft sich bündelt? Wo entsteht Raum, wo fehlt mir der Zugriff? Nehmen wir an, wir saugen nicht an unserm eigenen Zeigefinger, sondern an dem Sauger einer herrlichen Milchflasche. Plötzlich ist diese verstopft und ich muss mehr Saugkraft einsetzen. Wie mache ich das intuitiv? Atme ich beim Saugen kräftig aus oder habe ich mehr Sog, wenn ich gleichzeitig einatme? Welche Brustkorbmuskulatur schaltet sich hinzu? Die dehnenden Zwischenrippenmuskeln oder die verengenden Rückenstreckermuskeln?

Wie ich auf ganz persönliche Weise an Saugkraft komme, sollte ich gut erspüren, denn diese Muskulatur wird mich auch beim Singen ideal unter“stützen“.

Schmutzige Finger

Mit Schülern und in Chören behelfe ich mir bei dieser Übung mit sehr dicken Strohhalmen (Bubbletea-Modell, Durchmesser 12 mm), denn nicht jeder fühlt sich damit wohl, direkt aus der Straßenbahn steigend, auf seinem eigenen Finger zu lutschen. Den Strohhalm (oder auch Silikonschlauch) lege ich locker auf die Zunge und stülpe meine Lippen vor wie beim Buchstaben [u] (vgl. Lax Vox®). Mit einer Hand halte ich das untere Ende zu und kann so durch kräftiges Saugen einen Unterdruck erzeugen. Achtung! Den Strohhalm/Schlauch nicht plattdrücken.

Nun kann ich meine Stimme hinzunehmen und einzelne Töne ansummen. Dabei stelle ich mir vor, ich würde die Töne aus dem Strohhalm heraussaugen. Anstatt langsam und/oder durch die Nase einzuatmen, lasse ich den Strohhalm schwungvoll mit einem kräftigen Schmatzen (wie beim Küssen) aus dem Mund gleiten. Der Atem strömt von selbst ein. Leichter kann man plötzliches Abspannen kaum lernen.

So entsteht beim „Singen“ eine kräftige (Saug-)aktivität und danach ein wirkliches Lösen. (vgl. Tun und Lösen).

Individuelle Stütze

Das Verblüffende: Der Brustkorb wird beim saugenden Singen mit dem Strohhalm sehr wahrscheinlich auf seine vorher entdeckte Lieblingsrichtung zurückgreifen. Einatmend saugen oder ausatmend saugen. Denn wir können nicht nur saugen und Atmen, sondern sogar Töne machen und dabei in der einatmendsaugenden Brustkorbaktivität sein. Das heißt, die Zwischenrippenmuskulatur ist automatisch in dehnender Richtung aktiv obwohl wir nicht einatmen.

Oder eben auch genau anders herum. Wir tönen und saugen und dabei verengt sich mein Brustkorb ganz von allein. Klingt verrückt – vor allem, weil sich bei jedem automatisch die ökonomischste Richtung aktiviert – ist aber so. Soweit meine Recherche reicht, hat das zwar noch kein Wissenschaftler bestätigt, aber ich empfehle jedem das einmal auszuprobieren. Eine Liedphrase mit dem Strohhalm saugend singen, dann schmatzen lassen – dabei strömt der Atem ein – und dann direkt im Anschluss die gleiche Phrase noch einmal ohne den Strohhalm singen.

Singen kann jedes Kind

Jeder kann singen und jeder hat die körperlichen Voraussetzungen um leicht und mühelos mit natürlichem Klang Töne von sich zu geben. Doch viele von uns verlernen es im Laufe unseres Lebens. Entweder, weil uns jemand sagt „wie es zu gehen hat“ und wir dann möglicherweise irgendetwas „üben“ was uns eigentlich nicht gut tut. Oder weil wir uns nicht trauen wirklich unsere Stimme zu erheben und deswegen vermeiden, unseren ganzen Organismus mit seinem vollen Potential zu nutzen, um uns zu äußern.(vgl. Was ist eine schöne Stimme? und Jubilieren gegen Höhenangst)

Mein kleiner 5 Wochen alter Säuger zuhause hat davon noch keinen Schimmer. Er äußert seine Bedürfnisse genauso direkt und unvermittelt, wie er an allem und jedem mit einer ungeheuren Kraft saugt und nuckelt, wenn der Hunger nur groß genug ist.

Die (säuge-)tierische Kraft

Der Saugreflex ist in uns noch immer so ursprünglich und instinktiv angelegt, dass wir uns dem kaum entziehen können. Als perfekt koordinierte, ganzkörperliche Hochleistungsaktivität in Lippen, Mundraum, Zunge, Zwerchfell, Beckenboden usw. nutzen wir die Balance von Spannung an der richtigen Stelle und Entspannung ideal aus. Nutzen wir diese Kraft auch beim Singen, haben Hilfsspannungen kaum eine Chance. Durch das Saugen sind wir zudem mit unseren inneren Säugetieranteilen verbunden und „umschiffen“ das Gehirn, das uns mit seinen Zweifeln und komplizierten Gedanken desöfteren am freien Singen hindert. Wir verbinden uns mit unseren Emotionen und den tiefer liegenden Schichten unserer Persönlichkeit. Das Saugen ermöglicht uns Kontakt mit uns selbst, erdet und beruhigt. In diesem Zustand zu singen ist in vielerlei Hinsicht ein Genuss.

Viel Lust am Tier-Sein und allerhand Aha-Erlebnisse bezüglich des saugenden Atems wünscht,

Anna Stijohann

Spielzeug zum Singen

In meinem Unterricht und auch mit Gruppen und im Chor arbeite ich viel mit Spielzeugen. Bälle aller Art, Luftballons, Butterbrotpapier, Strohhalme, Tassen, Gummibänder, Schwingbretter, Balancierbalken, Tücher uvm. sorgen nicht nur für Spaß und Ablenkung beim Singen, sondern erfüllen verschiedene, wichtige Aufgaben in meiner Idee von „Singenlernen“.

Spielen gegen die Ernsthaftigkeit

Wer spielt ist nicht unter Leistungsdruck. Singen und Singenlernen unter Druck kann meiner Meinung nach nicht gelingen. Wir brauchen unsere eigene Freude und Neugier am Tun, sonst können wir nichts Neues lernen. (vgl. Wieviel muss ich üben?)

Erwachsene Menschen sind es kaum mehr gewohnt zu spielen, aber sobald wir nicht nur eine spielerische Aufgabe haben, sondern einen konkreten Gegenstand, können wir uns dem Spiel kaum entziehen. Bälle und Ballons sind da vielleicht das beste Beispiel. Und ein Großteil der Spielzeuge, die ich im Unterricht verwende, haben einen weiteren Vorteil. Sie regen vor allem zu körperlichem Spiel an.

Spielen heißt oft „körperlich“ sein

Einen Ball zu werfen oder einen Ballon mit dem Fuß zu schieben, an einem Gummiband zu ziehen oder mit einem Tuch in der Luft zu wedeln, sind ganzkörperliche Vorgänge. Sie bringen den Schüler weg von den Aufmerksamkeit im Hals hin zu einer ganzkörperlichen Wahrnehmung. Ein wichtiger Schritt hin zum Singen mit dem ganzen Körper und dem Erleben dessen als unser Instrument. Größere körperliche Bewegungen lassen außerdem Bewegungsdynamiken besser begreifen. Fürs Singen unbedingt nötige Elemente wie „Schwung“, „Spannung und Entspannung“, „Dynamik“ oder „Schwingen“ sind so konkreter wahrnehmbar und später auch in kleinerem Radius wieder abrufbar. Der Körper lernt eben körperlich und Singen ist für mich, selbst wenn wir eine Ballade singen und dabei nahezu still stehen, ein durch und durch körperliches Phänomen.

Selbstregulation

Ein weiterer wichtiger Aspekt meiner Arbeit mit Spielzeugen ist das – meiner Arbeit in fast allen Aspekten zugrunde liegende – Prinzip der Selbstregulation. Ich glaube nicht an den nachhaltigen Erfolg manipulativer Gesangstechnik im Sinne von „du musst diese Muskeln anspannen, dann geschieht das“, „das Gaumensegel muss jenes tun“, „Stütze bedeutet…“, „bei diesem oder jenem Vokal musst du das und das tun, damit…“

Das habe ich ja schon in vielen meiner vergangenen Artikel beschrieben. Stimmliche Selbstorganisation geschieht durch Anregung von außen. Das System Stimme wird durch eine „Energiezufuhr“ destabilisiert, also aus seinen gewohnten Mustern gehoben. Aus dieser vorrübergehenden Unordnung entsteht durch stimm- und körpereigene Ordnungsmechanismen, nach einer Weile eine neue, höhere Ordnung. Die Stimme gewinnt je nach Anregung an Leichtigkeit, Klangfülle, mehr Tonumfang, Klangfarbenvielfalt, Dynamik und mehr Ausdrucksfreiheit. Selbstregulation kann durch Anregung auf verschiedenen Ebenen aktiviert werden. Dazu gehören der Atem (z.B. Prinzip Einatmer/Ausatmer), das spürende Erleben von Resonanz, obertöniges Hören, die kinästetische Wahrnehmung (Körpersinn/Faszienarbeit) und die Emotion.

Spielzeug als Atemanregung

Weil Selbstregulation immer dann am Besten funktioniert, wenn wir ganz in einer Sache aufgehen und uns mit unserem rationalen Verstand nicht einmischen, sind Spielzeuge hier am richtigen Platz. Zunutze machen können wir uns hier vor allem Reflexe und unbewusste Zusammenhänge von Stimme, Atem und Körper.

Nehmen wir einen Ball als erstes konkretes Beispiel. Wenn wir einen Ball mehrere Male in die Höhe werfen und dann wieder auffangen, können wir erleben, wie unser Atemrhythmus sich dieser Bewegung anpasst. Das Hochwerfen begleitet unser Körper mit dem Einatem, beim Herunterfallen strömt der Atem aus. Dieses sehr einfache Prinzip aktiviert auf spielerische Art und Weise die Ein- bzw. Ausatemmuskulatur und das kann ich mir beim Singen zunutze machen. Probieren wir doch mal aus, wie das Singen leichter ist. Beginne ich meine gesungene Phrase mit dem Hochwerfen des Balls, nutze ich die Dynamik der Einatemmuskulatur für die Stimme und der Atem strömt von selbst wieder ein, wenn der Ball wieder runterkommt. Singe ich mit dem Fallen (oder auch z.B. mit dem Prellen des Balls auf dem Boden), nutze ich die Dynamik des Ausatemrhythmus für die Stimme. (vgl. Anlehnen an den Atem und Tun und Lösen)

Ähnlich, nur etwas subtiler verhält es sich, wenn ich wiederholt einen Luftballon in die Luft stubse. Auch das Rechts- und Links- oder Vor- und Zurückschaukeln auf einem Schwingbrett regt die stimmliche Selbstorganisation durch den Atem an.

Resonanz erleben

Mein liebstes Spielzeug um ein ganz konkretes Gefühl für Resonanz zu bekommen, sind Luftballons. Halte ich einen aufgeblasenen Luftballon etwa 5-10 cm vor meinen Mund und spreche, töne oder singe, kann ich an meinen Händen spüren, wie der Ballon vibriert. Für viele Menschen ist das ein absolutes Aha-Erlebnis. Meine Stimme bringt den Ballon zum Schwingen, manche Töne oder Vokale mehr als andere. In Gruppen oder im Chor lasse ich nachdem jeder für sich mit seinem Ballon eine Weile ausprobiert und gesungen hat z.B. dann zwei Menschen aus unterschiedlichen Stimmen an einen Ballon singen, während beide jeweils eine Hand an den Ballon legen. Zusammenklang könnte nicht greifbarer und anschaulicher sein. Die Stimmen verbinden sich klanglich in beeindruckender Weise. Balancieren sich in ihrer Lautstärke und Klangfarbe und stärken sich gegenseitig in ihrer Intonation. Schon häufig ist es dadurch passiert, dass ein Chor oder Ensemble, das zuvor stark mit dem Absinken der Tonhöhe zu kämpfen hatte, wunderbar sauber und ganz ohne Sinken singt. (vgl. Intonation und Zusammenklang im Chor)

Hörwahrnehmung verändern

Dass das Lauschen auf Obertöne anstatt der Fixierung auf Grundtöne eine selbstregulierende Wirkung auf die Stimme hat, habe ich unter anderem in meinen Artikeln Das magische Knistern und Ohren auf! beschrieben. Dort ist auch die Anwendung von Butterbrotpapier zum Knistern oder zum „darauf tröten“ beschrieben. Eine verblüffende und gleichzeitig sehr einfache Anregung zur stimmlichen Selbstorganisation durch die Veränderung der Hörwahrnehmung kann man mithilfe einer gewöhnlichen Kaffeetasse/Becher erzielen. Wie ein Megaphon halte ich die Tasse dicht vor meinen Mund und spreche, töne oder singe hinein. Der Klang ist blechig und hohl. Das mache ich eine Weile und merke, dass das Singen recht leicht geht. Vor allem Übergangsprobleme und unausgewogene Registermischungen sind einfach kein Thema mehr, weil sie durch den veränderten Stimmklang kaum mehr wahrnehmbar sind. Zuviel Druck auf der Stimme reguliert sich, weil der Sänger das Gefühl hat „es kommt ja was zurück“. Die Auswirkungen des Tassensingens sind von Mensch zu Mensch und je nach persönlichen Stimmbaustellen sehr unterschiedlich. Der Eine empfindet, das der Atem nun mehr fließt, der Andere hat das Gefühl, plötzlich mehr nach innen zu singen und nimmt die eigenen inneren Resonanzräume im Kopf viel mehr wahr.

Einfach mal ausprobieren! 🙂

Körpersinn aktivieren

Unser Körper verfügt über eigene Sinneszellen, vornehmlich in den Faszien, die permanent dem Gehirn rückmelden, wie und wo wir uns im Raum und in der Schwerkraft befinden. Sobald wir uns auf die Ebene der Wahrnehmung – insbesondere von Raum, Gewicht und Balance – begeben, wird die Stimme so ebenfalls zur Selbstregulation angeregt. Schaffen wir es, unsere Stimme an eben jenes Körpergefühl anzuhängen, können wir sehr konkret erleben, wie sich „ganzkörperliches Singen“ anfühlt. Wir werden zum Klangkörper und können unsere Stimme an unsere eigene innere Körperstruktur (Muskulatur, Faszien, Knochen) anlehnen. (vgl. Singen im freien Fall). Ich nutze – abgesehen von Vorstellungsübungen und Übungen und Elementen aus der Faszienarbeit – auch hier verschiedenste Spielzeuge, deren Wirkung man sich kaum entziehen kann – z.B. kleine Faszienbälle zur Fußmassage.

Das Schwingbrett habe ich ja schon in verschiedenen Artikeln beschrieben. Es eignet sich hervorragend, um das eigene Körpergewicht und seine Verlagerung bewusst zu spüren. Weiterhin nutze ich schwere Bälle, Hanteln oder Reissäckchen. Versuchen wir z.B. mal ein Gewicht so langsam es geht mit der Hand vom Tisch hochzuheben. Wo ist der Moment, in dem ich wirklich das Gewicht spüre? Gibt es diesen Punkt auch beim Absetzen des Gegenstandes? Wie klingt meine Stimme, wenn ich diesen Punkt als Auslöser für einen Ton nutze?

Innere Spielzeuge/Spielideen

Habe ich gerade keine Spielzeuge zur Hand z.B. mit vielen Menschen im Chor oder auch einfach als Alternative oder um erste Transferleistungen anzuregen, arbeite ich mit vorgestellten Spielideen. Eine meiner liebsten Übungen dieser Art, ist die Flipperkugel. Eine imaginäre Flipperkugel kullert in meinem Becken oder auch im Brustkorb herum. An diese imaginierte Bewegung hänge ich meine Stimme. Mal frei tönend, aber auch mit konkreten Übungen z.B. Quintglissando. Was kann die Kugel alles für Bewegungen machen? Rollen, sich verlangsamen oder beschleunigen, stoppen, plötzlich losrollen, um die Ecke hüpfen. Für viele Menschen ist die Arbeit mit so einer Vorstellung sehr viel konkreter, als die Anweisung, einfach mal den „Brustkorb in Bewegung zu bringen“. So wird über bestimmte innere Spielzeuge das eigene Bewegungsrepertoire erweitert.

Eine weitere Übung aus dieser Kategorie ist der „Taucheranzug“. Angelehnt an unsere äußerste Faszienschicht (Bindegewebsschicht, die uns wie eine Tüte einmal komplett umschließt) stellen wir uns vor, wir bewegen uns in einem elastischen Ganzkörper-Taucheranzug. Recken, Strecken, Laufen usw. bekommen dadurch eine ganz andere Qualität. So können wir auch tönen oder singen.

Singen macht Spaß. Spielen macht Spaß. Die Dinge, die wir übers Spiel erleben, öffnen uns neue Horizonte und Stimmräume. Selbst schwierige Arien oder Lieder sollten uns nicht davon abhalten, uns neugierig und spielerisch unserer Stimme und der Musik zu nähern. Keine Angst, dass dadurch die Ernsthaftigkeit verloren gehen könnte; wenn wir spielen, sind wir meist besonders intensiv anwesend und das ist sicher die beste Voraussetzung für intensives Singen und Klingen.

Eine Muh, eine Mäh, eine Täterätätä und überhaupt eine spielerische Zeit wünscht,

Anna Stijohann